《藝術收藏+設計》145期10月號｜圖版提供：V&A博物館
攝影工藝自1830年代被發明開始，歷經了需要大量科學技術製作的銀鹽相紙時代，輾輾轉轉，演進到了現在每個人能夠簡易操作的數位當代。在這個過程中人們表達與傳遞資訊的方式也隨之改變，大量的靜態、動態視覺圖像取代文字，充斥在各種網路社交媒體之中，變成平凡而尋常的日常。班雅明在二十世紀初所提出來的逐漸消逝的靈光——「遙遠之物的獨一顯現，雖遠，仍如近在眼前。靜歇在夏日正午，延個地平線那方山的弧線，或順著投影在觀者身上的一節樹枝，這就是在呼吸那遠山、那樹枝的『靈光』。」討論著繪畫與傳統攝影、傳統攝影與機械時代、虛構與真實之間的時代更迭。當時的爭論仍恍如隔世，而現在卻已走在後真相的道路上。擷取、再製影像的快速與大量，在媒體的洪流中早已難辨真偽。攝影作為一個工藝，從科技上、美學上在這將近兩百年的歷史長河中的脈絡如何轉變？在當代藝術家的作品中又如何抓取隱晦的靈光？V&A博物館去年甫成立的攝影收藏中心便以此為探討的主題，呈現展覽「攝影收藏：從銀版攝影法到數位時代」 （Collecting Photography: From Daguerreotype to Digital），展出他們歷年來攝影收藏，試圖為這百年來的歐洲攝影歷史稍作註腳。
V&A 博物館作為首座，並具有八十萬件大量攝影作品的藏館，打從1852年攝影發展之初就開始了收藏之路，作為歷史的整體回顧單位再順理成章不過。展覽策展人也表示，藏品之所以眾多，某部分也是因為V&A博物館創始人亨利·柯爾（Henry Cole）是位極具熱忱的業餘攝影師之故。展覽以皇家攝影協會所捐贈的收藏作為攝影中心首次展出的重點。展場分為五個大展區，以時間為軸，拉出十九世紀的早期的發展、二十世紀中的作品到當代攝影，展示從攝影早期的開創性版畫和底片、英國收藏家們：威廉·亨利·福克斯·塔爾波特（Henry Fox Talbot），Chauncy Hare Townshend、阿爾文·朗頓·科本(Alvin Langdon Coburn)的眾收藏，以及相機設備（六千多台的攝影機收藏被霸氣地排列在展廳兩側的玻璃櫥窗，展廳中也陳列著一系列以小巧輕便著稱的Brownie照相機）、攝影雜誌等出版物和當代攝影師的作品。
古老攝影工藝中的虛擬實境
科技與藝術向來密不可分，科技的創新帶來藝術創作手法的演變，反之，藝術創作本身跟隨著人性求新求變，持續注入科學領域新的活力。在這次收藏展中展出了各種劃時代的重要技術演進例如：羅攝影法（Calotype）、影像圖（Stereographs）⋯⋯等。科學家威廉·亨利·福克斯·塔爾波特(1800-77)除了捐贈予館方眾多收藏，他本身也是一個攝影迷。他運用自身化學的專長，開創利用光線和化學作用在紙上修復圖像的技巧，讓底片能夠被再製，將攝影技術推到了一個新的高度，被稱為卡羅攝影法（Calotype）。而影像圖（Stereographs）則是一種早期的虛擬實境技術。這種技術使用多張同樣物件的影像，層層疊疊地以不同的角度疊在一起，以造成立體的成像，這種製作影像的的方法在1850年代大受歡迎，成了家家戶戶所爭相蒐集與娛樂的玩具。觀眾得以在展場中親自操作機台，如古老幻燈片般一件件地切換著攝影作品。英國攝影師埃德沃德·邁布里奇（Muybridge）在另一方面，則是拍攝移動動作的先驅，成為早期錄影的開端。他使用許多瞬間的鏡頭拍攝在動物與人類移動的瞬間，並通過這項技術，拍攝了當時前所未見動物移動的階段性圖像。在他最為著名的作品中，他便以駱駝為主角，捕捉駱駝移動過程。展覽從攝影工藝的科技術方面切入，從靜態影像的再製、到立體、再到動態錄影的發展，為早期的虛擬實境演化的過程做了鉅細靡遺的呈現。
當代攝影的時代存檔
當代攝影的方面琳達·麥卡特尼（Linda McCartney）的數十張私密家庭照片也被列為這次收藏展覽的重要焦點之一。她的收藏囊括大部分當初的滾石樂團、披頭四樂團等等音樂潮流指標性人物的重要檔案。V＆A收藏所展出的63張照片，包括以前從未公開過的麥卡特尼家族照片，也包括滾石樂隊和吉米·亨德里克斯（Jimi Hendrix）在內的搖滾樂手。這些攝影影像中的人物備受矚目，然而展覽方也澄清，攝影師琳達·麥卡特尼（Linda Eastman）在她與保羅·麥卡特尼結婚，並加入披頭四後樂團之前，已經是一位成功的攝影師，參與拍攝了「滾石」雜誌的封面，力圖撇清沾光之嫌。
展覽的當代收藏中不乏其他著名攝影師的作品，舉凡格雷厄姆·史密斯（Graham Smith）、美國攝影師馬克·寇恩（Mark Cohen）的街頭快照、辛蒂·雪曼（Cindy Sherman）的性別議題濃厚的扮裝肖像、來自英國的Sian Bonnell帶了些超凡幽默的物件擺拍，以及杉本博司的概念式攝影⋯⋯等等，件件在展覽中爭相奪艷。這些照片有些反映了當時當的自然而然發生的事件與光景，有些則是經由藝術家設計或是實驗所產生的過程和結果。然而不論如何，在如此百花齊放班自由的創作手法，與日新月異的技術之下，攝影所展現的企圖不變得仍是存留、以及反映轉瞬時間下的紋理，各自表述，進而產生意義。
跨世紀的攝影對話
「我不在意相機，我只對影像有興趣。」當代德國攝影師托馬斯·魯夫（Thomas Ruff）這麼主張，將攝影拉出工藝的範疇。而為了解釋為何他創作的負片影像總在模糊現實與虛構之間徘徊，他解釋：「每張照片都是科學的陳述，像科學家一樣，我必須在照片中證明我的陳述是正確的。」而他所謂的「科學方法」便是總是不斷地拋出疑問，透過這些反反覆覆，與實驗之間持續相互辯證。（Every photograph is a scientific statement, and like a scientist I have to prove in a photograph that my statement is correct.）這樣的創作手法也呈現在〈Tripe〉這一系列的委託行創作中，成了這次展覽連結科技歷史與當代創作的橋樑。
他的創作靈感來自十九世紀英國攝影師Linnaeus Tripe於印度和緬甸的拍攝的一系列照片。拍攝於距今160多年前的1850年代，身為東印度公司的官方攝影師的Tripe在走訪這些城市時拍下當時的建築、地形圖像，揭示了如今部分不再存在的寺廟，宮殿和紀念碑，被廣泛認為是早期攝影的重大成就之一。托馬斯被他創作的大幅紙質底片所吸引，那些因為時間已經褪色和，由於材質的易損也已經失去原本的樣貌，某方面也呈現了時間流逝的痕跡。 經由V＆A館方的委託，托馬斯首先重新檢視博物館收藏的這80多萬張照片，並挑選、重新再製了這些圖像。他首先將Tripe底片的獨特顏色與輪廓相結合。接著將底片擴大了三倍以上，凸顯這些紙張的結構和Tripe拍攝的細節。雖然托馬斯主要使用電腦上的圖像作數位的處理，但在創作的的過程中他將它們列印出來、經過數天，數週或數月的觀看，為圖片做出細微的調整，成為創作的最重要的步驟之一。最終他透過數位手法重新整理160多年前在印度和緬甸的寺廟景象，為Tripe的老舊模糊的相紙提供了新的素材，在上面強調了許多隱藏的細節，像是雲、建築磚瓦和樹葉，成了跨越了幾個世紀藝術家之間共同完成的「攝影中的攝影」。
＜機械複製時代的藝術作品＞的篇章中也提到：「最完美的複製也總是缺少了一樣東西，就是藝術作品的『此時此地』，獨一無二地現身於它所在之地，就是這獨一的存在，且唯有這獨一的存在，決定了它的整個歷史。在機械複製的年代，藝術作品被觸及的，就是它的『靈光』。機械複製雖然可以使藝術作品保持完好無缺，但無論如何壓抑了原作的『此時此刻』。」然而，「此時此刻」的靈光也許總是要消逝的。不論是語言、畫筆，還是攝影機，所有事物總在發生的當下中就已經逝去。但是逝去或許也並不是結束。那些語言、繪畫、攝影技術、和甚至是歷史本身，如同這檔V&A博物館的攝影收藏展策展一樣，那些所截取的世界與時間的吉光片羽都是活生生地，被後來的人反覆詮釋，被賦予、生產出新的意義。